{"title":"Caja Negra","description":"","products":[{"product_id":"un-destino-comun","title":"Un destino común","description":"\u003cmeta charset=\"UTF-8\"\u003e\n\u003cp\u003eEste libro reúne por escrito una serie de intervenciones públicas de la directora argentina Lucrecia Martel. A lo largo de diez conferencias y clases, dictadas entre 2009 y 2025 en instituciones y festivales de Argentina, España y Uruguay, transcriptas aquí por primera vez, Martel comparte los recursos que activan su cine y su particular relación con el sonido, al tiempo que amplía su mirada sobre las tensiones históricas y actuales de la narrativa.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSus charlas proponen un recorrido libre por algunas preguntas inquietantes. ¿Cómo podemos involucrarnos sensiblemente con lo que sucede en nuestros territorios? ¿Cómo hacemos para recuperar el diálogo con quienes piensan diferente? ¿Qué estrategias narrativas son deseables frente a la estandarización de los algoritmos y las plataformas? Sin ofrecer respuestas categóricas ni solemnes, Martel sugiere herramientas para ensayar colectivamente otras maneras de habitar el presente y el futuro. El libro, organizado en tres secciones, incluye también intercambios con el cineasta y escritor argentino César González, con la realizadora española Carla Simón y con la periodista Leila Guerriero, en los que aparecen contrapuntos en torno a la creación artística. De lo que se trata en todo momento es de conversar como forma de recomponer lo comunitario y construir un espacio posible para pensar con otros.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eUn destino común\u003c\/em\u003e no trata sobre sus películas, sino que parte de su práctica cinematográfica para proponer nuevas discusiones en el terreno cultural. En tiempos de discursos cerrados y gestos autoritarios previsibles, la voz de la directora de \u003cem\u003eLa ciénaga\u003c\/em\u003e y\u003cem\u003e Nuestra tierra\u003c\/em\u003eimpacta por su franqueza y su gesto provocador, dispuesto a revisar los errores del pasado, afrontar la desazón del presente y alentar a las próximas generaciones a inventar lo que todavía no existe.\u003c\/p\u003e","brand":"Caja Negra","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":43374494089264,"sku":null,"price":27.0,"currency_code":"USD","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0602\/3898\/7312\/files\/202504011721_449.png?v=1783190879"},{"product_id":"diario-como-mejorar-el-mundo","title":"Diario: cómo mejorar el mundo","description":"\u003cmeta charset=\"UTF-8\"\u003e\n\u003cp\u003eNada en la obra de John Cage es del todo lo que parece. Y este libro no es la excepción, porque se trata de un “diario” que no sigue las convenciones del género, sino que se organiza a través de un mosaico de meditaciones, citas y apuntes dispersos. Entre 1965 y 1982, años durante los cuales escribe estos textos, Cage se enfrenta a un mundo que experimenta profundas mutaciones: desde la contracultura que sacudía los cimientos de la sociedad estadounidense, hasta la descolonización de África, la China de Mao y las revoluciones tecnológicas a gran escala. Mientras la historia toma un rumbo acelerado e impredecible, el compositor y artista, a sus 53 años, se encuentra en una posición ambigua: ya no es un joven que se sienta motivado a ser protagonista, pero sí un testigo atento capaz de diagnosticar e incluso anticipar el rumbo de esta transformación. Impulsado por sus lecturas de Richard Buckminster Fuller, Marshall McLuhan, Norman O. Brown y Henry David Thoreau, y por su propia curiosidad, Cage emprende un viaje arriesgado e inmersivo por la información, entendiendo que está en presencia de un giro fundamental que no solo para el curso de las artes, sino también para nuestra comprensión de la realidad misma.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eTipeado en ocho partes en una máquina de escribir IBM Selectric y tipografías que se intercalan según la determinación del azar este,\u003cem\u003e Diario: Cómo mejorar el mundo\u003c\/em\u003e es el ejercicio de escritura que lo ocupó por más tiempo y probablemente su apuesta más ambiciosa. Con un formato que oscila entre la poesía épica, el ensayo filosófico, la provocación y la literatura de anticipación, Cage nos invita a repensar el futuro desde una perspectiva crítica y multifacética. Al integrar a la reflexión disciplinas como la biología, la informática, la espiritualidad, la música, la economía y la educación, crea una caja de resonancia que descompone las estructuras preestablecidas del pensamiento y las reemplaza por yuxtaposiciones inesperadas. ¿Es posible mejorar el mundo o solo conseguiremos que las cosas empeoren? La respuesta no está en la resignación.\u003c\/p\u003e","brand":"Caja Negra","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":43374503624752,"sku":null,"price":26.0,"currency_code":"USD","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0602\/3898\/7312\/files\/202504011721_450.png?v=1783190844"},{"product_id":"fantasmatica-del-cuerpo","title":"Fantasmática del cuerpo","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLas cartas intercambiadas por Lygia Clark y Hélio Oiticica entre 1964 y 1974 trazan un retrato cálido de la amistad de dos artistas brasileños claves de la estética de neovanguardia del siglo XX. \"Una carta es siempre un pedazo de la persona\", dice Lygia Clark en un pasaje que registra la alegría que emana del epistolario así como las obsesiones que atraviesan las obras de quienes lo escriben: el cuerpo -o su fantasmática, es decir, las percepciones sensoriales que lo derraman en \"pedazos\"- y lo que sucede entre las personas cuando median entre ellas objetos artísticos. Clark y Oiticica extremaron las investigaciones sobre la percepción y el \"no objeto\" del neoconcretismo de Brasil y, en su afán por volverlo participativo, abrieron el arte y lo pusieron en diálogo con el crisol de prácticas culturales que ocurrían a su alrededor: el under y la cultura rock, la experimentación con drogas y el psicoanálisis, el carnaval y la militancia radicalizada.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Caja Negra","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":43374817247280,"sku":null,"price":26.95,"currency_code":"USD","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0602\/3898\/7312\/files\/202504011721_451.png?v=1783191719"},{"product_id":"la-segunda-venida-neorreaccionarios-guerra-civil-global-y-el-dia-despues-del-apocalipsis","title":"La segunda venida. Neorreaccionarios, guerra civil global y el día después del Apocalipsis","description":"\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"UTF-8\"\u003e\u003cspan\u003eEn los sesenta la consigna era \"socialismo o barbarie\". Pero el socialismo que nacía de las luchas obreras y feministas no fue capaz de consolidarse y la barbarie triunfó. Hoy enfrentamos la misma alternativa, solo que más radical: o el comunismo o la extinción. Este libro nos invita a prepararnos para cuando acontezca lo imprevisto. \"No dejemos de pensar -nos dice Bifo- porque puede que lo impredecible pronto requiera ser pensado, y ese es nuestro trabajo: pensar en tiempos de trauma apocalíptico\". Un siglo después de la revolución comunista, la idea de que el mundo pueda cambiar para mejor parece enterrada. Pero el hecho de que ya nada vaya a salvarnos no debería verse como una fatalidad: si este mundo está muerto, entonces puede aparecer otro que nos saque de esta existencia de zombis. La segunda venida para la que tenemos que predisponer nuestras mentes es la del comunismo, aunque tendrá poco que ver con 1917. El Apocalipsis debe ser concebido como una metáfora, y el comunismo también lo es: la metáfora del posible despliegue de los potenciales de la mente y la solidaridad humanas.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Caja Negra","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":43374820261936,"sku":null,"price":22.0,"currency_code":"USD","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0602\/3898\/7312\/files\/202504011721_471.png?v=1783199126"},{"product_id":"contra-el-cine-obras-cinematograficas-completas-1952-1978","title":"Contra el cine: Obras cinematográficas completas (1952-1978)","description":"\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"UTF-8\"\u003e\u003cem\u003eContra el cine\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e reúne por primera vez en español la totalidad de los guiones escritos por Guy Debord, entre 1952 y 1978.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003eLa vida de Debord estuvo marcada por el cine y por la voluntad de negarlo de todas las maneras posibles; \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eCon y contra el cine\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, como se tituló uno de sus artículos en la revista Internationale Situationniste. Su primera acción pública fue la proyección de una película sin imágenes, y la última privar al mundo de la posibilidad de ver sus films, lo que realmente ocurrió durante el final de su vida. Su obra más reconocida, \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eLa sociedad del espectáculo\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e—antes de llegar a ser un libro—, \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e«fue un proyecto de película de un género nuevo»\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e. La influencia subterránea de la obra fílmica de Debord, que alimentó tanto a la nouvelle vague como las prácticas de cine militante y videoactivismo de los setenta hasta el presente, fue posible aunque no aspirara a labrarse semejante posición en la historia de las formas artísticas. Todo lo contrario: si algo caracterizó esta incursión a regañadientes fue la voluntad de destrucción del cine por sus propios medios: que el saqueo de realidad que practica la cámara sea sustituido por el saqueo de las imágenes recontextualizadas en un nuevo montaje.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Caja Negra","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":43374828159024,"sku":null,"price":26.95,"currency_code":"USD","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0602\/3898\/7312\/files\/202504011721_452.png?v=1783192457"},{"product_id":"sonidos-de-marte-una-historia-de-musica-electronica","title":"Sonidos de marte. Una historia de música electrónica","description":"\u003cdiv data-expanded=\"true\" class=\"a-expander-content a-expander-partial-collapse-content a-expander-content-expanded\"\u003e\u003cspan\u003eNadie puede negar hoy la omnipresencia de la música electrónica: desde los éxitos pop masivos que encabezan los rankings hasta las exploraciones sonoras más aventuradas son en su gran mayoría fruto del encuentro íntimo entre la creatividad humana y las máquinas. Su historia podría pensarse así como una historia doble. Por un lado, la de aquellos compositores, productores e inventores vanguardistas que, ya sea en la soledad de sus estudios de grabación como en marcos institucionales diversos –el Taller radiofónico de la BBC o la radio NWDR de Colonia, entre otros–, desarrollaron un leguaje inédito y abstracto explorando la física del sonido y llevándola a lugares hasta ese momento desconocidos. De esta nutrida constelación de pioneros como Robert Moog, Leon Theremin, Brian Eno, Delia Derbyshire o Jeff Mills surgieron las composiciones y los géneros que hoy constituyen el amplio panorama electrónico: desde la musique concrète al synthpop, pasando por el house, el ambient, el hip-hop, la música industrial o el techno. Pero en paralelo existe también una línea evolutiva no-humana, maquínica, que da cuenta de los saltos tecnológicos y de los horizontes estéticos que estos posibilitaron. Los protagonistas de esta segunda historia son sintetizadores modulares, máquinas de ritmos, secuenciadores midi, computadoras y samplers, y tienen nombres que parecen salidos de una novela de ciencia ficción: Mellotrón, Ondas Martenot, Vocoder, Jupiter-6, TR-808, MPC60.\u003c\/span\u003e\u003c\/div\u003e\n\u003cdiv data-expanded=\"true\" class=\"a-expander-content a-expander-partial-collapse-content a-expander-content-expanded\"\u003e\u003cspan\u003e\u003cbr\u003e¿Pero qué queda hoy, en el siglo de su definitiva consagración, de la imaginación futurista que caracterizó a esos sueños hechos de loops de cintas magnéticas, señales de ruido blanco y osciladores? Para responder a esta pregunta, David Stubbs nos conduce en un viaje sonoro a la vez exhaustivo y personal que recorre más de cien años de música electrónica para descubrir en su legado no solo un halo de nostalgia retromaníaca sino también el parpadeo de territorios sonoros aún inexplorados.\u003c\/span\u003e\u003c\/div\u003e\n\u003cdiv class=\"a-expander-header a-expander-partial-collapse-header\"\u003e\u003c\/div\u003e","brand":"Caja Negra","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":43374841724976,"sku":null,"price":34.95,"currency_code":"USD","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0602\/3898\/7312\/files\/202504011721_453.png?v=1783192851"},{"product_id":"utopia-queer-el-entones-y-alli-de-la-futuridad-antinormativa","title":"Utopía Queer. El entones y allí de la futuridad antinormativa","description":"\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"UTF-8\"\u003e\u003cspan\u003eUTOPÍA QUEER - EL ENTONCES Y ALLÍ DE LA FUTURIDAD ANTINORMATIVA «Lo queer aún no ha llegado. Es una idealidad. Dicho de otro modo, aún no somos queer. Quizá jamás toquemos lo queer, pero podemos sentirlo como la cálida iluminación de un horizonte teñido de potencialidad. El futuro es el dominio de lo queer. Lo queer es un modo estructurante e inteligente de desear que nos permite ver y sentir más allá del atolladero del presente. » Cuando el cubano José Esteban Muñoz publicó por primera vez este libro en el año 2009, la imaginación política LGTBIQ se encontraba erosionada por un pragmatismo asfixiante. Las reivindicaciones por el derecho al matrimonio igualitario, por el acceso a los beneficios impositivos de los cónyuges y por la posibilidad de adoptar y formar una familia a semejanza de la familia heterosexual expresaban un deseo dominante de inclusión en un sistema al que ya no se buscaba alterar. Utopía queer es un manifiesto contra la cárcel del aquí y el ahora: recupera la noción de utopía de Ernst Bloch para liberarla de las garras del marketing inclusivo y ponerla a trabajar en favor de una política de disidencias sexogenéricas. La imaginación queer que impulsa Muñoz promueve una distorsión espacial y temporal que nos permite percibir que este mundo no es suficiente, soñar placeres nuevos y mejores e insistir con la necesidad concreta de otros modos de estar en el mundo. Podemos entrever los horizontes que nos promete lo queer en las producciones estéticas de comunidades subalternas. Como quien busca restos de purpurina en un cuerpo que atravesó la fiesta, Muñoz recorre la obra de artistas, escritores y performers como Andy Warhol, Ray Johnson, Frank O'Hara, LeRoi Jones, Samuel Delany, Elizabeth Bishop, Dynasty Handbag y Kevin Aviance, para detectar los rastros de utopía que nos puedan ayudar a escapar del presente normalizado. En esa constelación de huellas, Muñoz inventa un linaje y proyecta una cultura de las disidencias sexuales hacia un futuro más vasto y sensual que el de la reproducción heteronormativa.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Caja Negra","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":43374844903472,"sku":null,"price":30.0,"currency_code":"USD","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0602\/3898\/7312\/files\/202504011721_454.png?v=1783193096"},{"product_id":"oceano-de-sonido","title":"Océano de sonido","description":"\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"UTF-8\"\u003e\u003cspan\u003eEl recorrido de Océano de sonido comienza en 1889, el día en que Claude Debussy escuchó un concierto de música javanesa en la Exposición de París. A partir de ese episodio –que desde su punto de vista representa el inicio del siglo XX musical– Toop sigue las huellas de un proceso de erosión de géneros y categorías del que surgirá una cultura sonora etérea, desterritorializada e inmersiva, que preparó nuestra sensibilidad para el océano de información digital en el que actualmente estamos sumergidos. La Monte Young, Brian Wilson, The Velvet Underground, Sun Ra, Brian Eno, Lee Perry, Kraftwerk, Aphex Twin y Ryuichi Sakamoto se interconectan en esta extraordinaria obra de historia sonora que nos transporta desde la selva amazónica hasta Tokio, y se proyecta desde las mitologías ancestrales hasta el surgimiento de la música ambient y el techno.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003eEste es entonces un libro sobre viajes, algunos reales, otros imaginarios, en el que testimonio y ficción coexisten borrando sus fronteras. Un libro cuyo paralelo no hay que buscarlo en el periodismo musical, sino en Las ciudades invisibles de Italo Calvino o en Neuromante de William Gibson. Con un estilo inspirado en las posibilidades hipertextuales de Internet, la escritura experimental de William S. Burroughs y el uso del sampler, David Toop desestima la cronología lineal, “esa sensación falsa y aburrida de progresión lógica a partir de la cual el desenvolvimiento de la cultura pareciera diseñado de antemano por un historiador del arte”, para proponer en su lugar una deriva nómade y personal a través de episodios sonoros aparentemente ajenos, distantes en el tiempo y el espacio.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Caja Negra","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":43374847295536,"sku":null,"price":30.0,"currency_code":"USD","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0602\/3898\/7312\/files\/202504011721_455.png?v=1783194231"},{"product_id":"a-proposito-de-godard","title":"A propósito de Godard","description":"\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"UTF-8\"\u003e\u003cspan\u003eDefinido por sus autores como un “libro sobre parejas”, A propósito de Godard no se parece a ningún otro volumen jamás publicado sobre la obra del cineasta más prominente de la modernidad. Con un espíritu desafiantemente original que rehúye de los territorios recurrentes de la biografía o del ensayo crítico, Harun Farocki y Kaja Silverman abordan la filmografía de Jean-Luc Godard mediante la estructura de una gran conversación en la que analizan a fondo ocho de sus films más emblemáticos, de Vivir su vida a Nouvelle vague. De esta manera, cada capítulo se ocupa de una película, y cada película es desglosada secuencia por secuencia, plano por plano, hasta llegar a una reflexión precisa y lógica del film respaldada por su misma deconstrucción formal.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003ePor momentos un diálogo socrático en la oscuridad de la sala cinematográfica y por momentos una desgrabación de la clase magistral a dos voces, la conversación entre Silverman y Farocki articula el background académico feminista de la primera con la agudeza cinéfila del artista de vanguardia del segundo para componer una apreciación rigurosa pero intuitiva que funciona como un verdadero laboratorio de experimentación interpretativa. ¿Es este un libro de cine teórico o práctico? ¿Se trata de un texto marxista, psicoanalítico o semiótico? ¿Cuánto hay de cierto en que estas conversaciones deberían ser leídas, según han dicho por ahí, como cartas de amor? ¿Vale la pena saber, en este sentido, que los autores eran pareja durante la escritura de estos diálogos? La pregunta más importante planteada por Farocki y Silverman, no obstante, es mucho más sencilla: ¿por qué volver al cine de Godard después de tanto tiempo y con tanto lujo de detalles? Sostenida a lo largo de las páginas de este libro, la respuesta emerge una y otra vez como la convicción de que en todo cuestionamiento del arte pasado yace el camino hacia nuevos y luminosos interrogantes.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Caja Negra","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":43374847623216,"sku":null,"price":28.95,"currency_code":"USD","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0602\/3898\/7312\/files\/202504011721_456.png?v=1783194399"},{"product_id":"los-pixels-de-cezanne-y-otras-impresiones-sobre-mis-afinidades-artisticas","title":"Los píxels de Cézanne. Y otras impresiones sobre mis afinidades artísticas","description":"\u003cp\u003ePublicado en Alemania en 2015 con motivo de su aniversario número 70, este libro reúne por primera vez los escritos de Wim Wenders sobre otros artistas. A través de una idea o de un interrogante, Wenders tira de la punta del ovillo de sus pensamientos, y se desenvuelve como si fuera no solo un cineasta de culto sino también un escritor avezado. Estos textos narran su encuentro con los westerns de Anthony Mann, que lo impulsaron a abandonar la pintura y dedicarse al cine; sus recuerdos entrañables sobre el vínculo que estableció con Michelangelo Antonioni; su fascinación juvenil por los desoladores cuadros de Edward Hopper y de Andrew Wyeth; su curiosidad ante las fotografías de Peter Lindberg, el cine de Ozu o los diseños de Yohji Yamamoto, y también el descubrimiento de un nuevo lenguaje del movimiento en la danza de Pina Bausch, que solo la tecnología del 3D podía plasmar.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEstas “impresiones” (discursos que escribió para ceremonias y homenajes, pero también apuntes personales que permanecían inéditos) pueden leerse como derivas estéticas que transparentan la mirada poética que tiene sobre el arte un cineasta de tan vasta experiencia como Wenders. Con una naturalidad asombrosa, explora las especificidades de cada artista, y nos hace ver qué es tan conmovedor en sus obras y sus procesos creativos. Pero quizás la fuerza de estos textos radica en la confianza inquebrantable de Wenders en el arte como mecanismo de penetración en la realidad, y sobre todo en el lenguaje como dispositivo capaz de revelarnos aquello que permanecía silencioso en los pensamientos y las imágenes. Con una gramática propia, y una escritura rítmica y visual, Wenders registra aquí los trazos de vidas y obras ajenas que lo acompañaron en la construcción de su particular poética de la mirada. Y lo hace con simpleza, admiración y compromiso hacia los otros, los artistas y los lectores.\u003c\/p\u003e","brand":"Caja Negra","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":43374850015280,"sku":null,"price":25.95,"currency_code":"USD","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0602\/3898\/7312\/files\/202504011721_457.png?v=1783194630"},{"product_id":"black-music-free-jazz-y-conciencia-negra-1959-1967","title":"Black music: Free Jazz y conciencia negra 1959-1967","description":"\u003cdiv class=\"et_pb_column et_pb_column_1_3 et_pb_column_1_tb_body  et_pb_css_mix_blend_mode_passthrough\"\u003e\n\u003cdiv class=\"et_pb_module et_pb_wc_description et_pb_wc_description_0_tb_body et_pb_bg_layout_light  et_pb_text_align_left\"\u003e\n\u003cdiv class=\"et_pb_module_inner\"\u003e\n\u003cp\u003e“La mayoría de los críticos de jazz han sido hasta ahora americanos blancos, mientras que los músicos más importantes no.” Con esta frase comienza la compilación que el lector tiene en sus manos, en la que se documenta uno de los ejercicios de crítica musical más radicales y salvajes que alguna vez se haya puesto en práctica. En estos ensayos, reseñas, entrevistas, notas para discos, crónicas e impresiones personales publicados entre 1959 y 1967, Amiri Baraka retrata la floreciente escena del free jazz, un movimiento que implicó una profundización de las innovaciones sonoras del bebop y la recuperación del jazz como expresión autentica de la cultura afroamericana en un momento en el que su éxito comercial lo había vuelto un género estandarizado y digerible para la América blanca. Figura central y aglutinante del movimiento beatnik en los años 50 y del Black Power en décadas posteriores, Amiri Baraka hace uso de un lenguaje eléctrico y furioso que refleja la libertad de improvisación del free jazz para dejar en claro que esta música solo puede ser comprendida como parte de un cuerpo de experiencias que a lo largo del siglo XX dieron forma a una nueva conciencia sobre lo que significaba ser negro en los Estados Unidos. Y que por ello sus intérpretes, entre quienes destaca a John Coltrane (“su música es una de las razones por las que el suicidio parece una cosa tan aburrida”), Ornette Coleman, Archie Shepp, Sun Ra, Thelonious Monk, Albert Ayler, Pharoah Sanders, Sonny Rollins, Don Cherry, Wayne Shorter y Cecil Taylor, deben ser considerados, además de grandes músicos, como “intelectuales o místicos, o ambas cosas”.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/div\u003e\n\u003c\/div\u003e\n\u003c\/div\u003e","brand":"Caja Negra","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":43374850703408,"sku":null,"price":26.95,"currency_code":"USD","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0602\/3898\/7312\/files\/202504011721_458.png?v=1783194903"},{"product_id":"generacion-hip-hop","title":"Generación Hip-hop","description":"\u003cdiv class=\"et_pb_column et_pb_column_1_3 et_pb_column_1_tb_body  et_pb_css_mix_blend_mode_passthrough\"\u003e\n\u003cdiv class=\"et_pb_module et_pb_wc_description et_pb_wc_description_0_tb_body et_pb_bg_layout_light  et_pb_text_align_left\"\u003e\n\u003cdiv class=\"et_pb_module_inner\"\u003e\n\u003cp\u003eBasado en cientos de entrevistas y más de diez años de investigación, Jeff Chang nos ofrece en \u003cem\u003eGeneración Hip-Hop\u003c\/em\u003e una exhaustiva historia musical y cultural del hip-hop, desde sus raíces en los sound systems jamaiquinos, pasando por las guerras de pandillas y fiestas callejeras en los guetos negros de Nueva York, hasta su posicionamiento como uno de los sonidos más influyentes del mainstream actual. Las trayectorias de artistas como Grandmaster Flash, Afrika Bambaataa, Ice Cube y Jay-Z, junto a la de promotores, sellos y djs, son el hilo conductor con el que el autor reconstruye la evolución de este género, interpretando su desarrollo como reflejo de las tensiones políticas e ideológicas que atravesaron la comunidad afroamericana desde la década del 70 en adelante.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePara toda una generación, nacida tras el asesinato de Malcom X y con los gobiernos neoliberales de Reagan y Bush como telón de fondo, los cuatro elementos característicos del hip-hop –el dj, el mc, el breakdancing y el grafiti– se convirtieron en los canales privilegiados para expresar su malestar y promover una cultura en común. Las distintas formas que adoptó este género, desde la militancia inspirada en las Panteras Negras de bandas como Public Enemy hasta las rimas sexistas y homofóbicas de los artistas del gangsta rap, son el reflejo de una generación que debió debatirse entre la conciencia negra engendrada en las luchas históricas de la comunidad afroamericana y la cultura del individualismo, la competencia y el consumo, exacerbada por la sociedad capitalista contemporánea.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/div\u003e\n\u003c\/div\u003e\n\u003c\/div\u003e","brand":"Caja Negra","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":43374853292080,"sku":null,"price":36.95,"currency_code":"USD","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0602\/3898\/7312\/files\/202504011721_459.png?v=1783195033"},{"product_id":"atencion-trastornada-formas-de-ver-arte-y-performance-hoy","title":"Atención trastornada. Formas de ver arte y performance hoy.","description":"\u003cp\u003eLos cambios tecnológicos de los últimos años han transformado la atención en un verdadero campo de batalla. Desde diversas plataformas digitales, una sobrecarga de información compite por captar nuestra mirada por instantes cada vez más breves, minando de manera drástica nuestra capacidad de concentración. La influyente historiadora y crítica de arte contemporáneo Claire Bishop analiza esta condición prescindiendo de toda actitud melancólica. En lugar de lamentar las dificultades para la contemplación sostenida como una batalla perdida, se pregunta de qué manera las mutaciones recientes en el campo de la comunicación digital han cambiado también nuestra manera de ver arte y qué nuevas prácticas artísticas han emergido como resultado.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eBishop plantea que tanto la idea de una percepción supuestamente “normal” como la entronización de la contemplación estética y la completa absorción de los espectadores en la obra son construcciones históricas cargadas de sesgos raciales, de clase y de género. Y revela de qué manera nuevas prácticas artísticas vinculadas a la danza y la performance están dando cuenta de la aparición de una interacción “híbrida”, mediada por la tecnología, que es afectiva (en lugar de intelectual) e interpersonal (en lugar de individual).\u003c\/p\u003e","brand":"Caja Negra","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":43374853521456,"sku":null,"price":26.95,"currency_code":"USD","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0602\/3898\/7312\/files\/202504011721_460.png?v=1783195194"},{"product_id":"seamos-como-logs-hongos-el-arte-y-las-ensenanzas-del-miscelio","title":"Seamos como los hongos. El arte y las enseñanzas del miscelio","description":"\u003cp\u003eBasado en conversaciones con guardianes de la sabiduría indígena, colectivos de artistas de México, América del Sur y el Caribe, ambientalistas, feministas, micólogxs y movimientos por la defensa de la tierra, en este libro no hay protagonistas, sino colaboradores.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEntre ellos habría que contar también, y principalmente, a líquenes, mohos, cordyceps, shiitakes y gírgolas. Seamos como los hongos es un relato de viaje por el reino Funga que transita regiones diversas como Minas Gerais, Wallmapu\/Araucanía, Medellín, Barbados y Chiapas, escrito por Yasmine Ostendorf-Rodríguez, una investigadora y artista cuyas obras son producto de redes internacionales de activismo, producción estética y científica inspiradas en el micelio, la estructura reticular subterránea que integra el cuerpo vegetativo de los hongos y que puede conectar a las plantas entre sí.\u003c\/p\u003e","brand":"Caja Negra","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":43374854897712,"sku":null,"price":30.0,"currency_code":"USD","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0602\/3898\/7312\/files\/202504011721_461.png?v=1783195561"},{"product_id":"gritos-de-neon-como-el-drill-el-trap-y-el-bashment-hicieron-que-la-musica-sea-novedosa-otra-vez","title":"Gritos de neón. Cómo el drill, el trap y el bashment hicieron que la música sea novedosa otra vez","description":"\u003cdiv class=\"woocommerce-tabs wc-tabs-wrapper\"\u003e\n\u003cdiv aria-labelledby=\"tab-title-description\" role=\"tabpanel\" id=\"tab-description\" class=\"woocommerce-Tabs-panel woocommerce-Tabs-panel--description panel entry-content wc-tab\"\u003e\n\u003cp\u003e«\u003cem\u003eGritos de neón \u003c\/em\u003ehace foco allí donde las innovaciones musicales resultaron más desconcertantes en los últimos años: la música urbana negra. Si en el siglo XX la música dance se sentía como si las máquinas hubieran tomado el control, los avances en tecnología de sonido digital han ampliado de modo radical la capacidad para la expresión humana. En el siglo XXI emerge la voz como zona privilegiada de la aventura artística. Con el Auto-Tune todos pueden prolongar los límites de sus voces y llevarlas hacia formas de belleza extraña, como un crisol alquímico en el que los performers –y los oyentes– se convierten en ángeles y monstruos.» Del prólogo de Simon Reynolds\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eGritos de neón\u003c\/em\u003e es un manifiesto, un grito de guerra para el nuevo futurismo musical que se anuncia ya en géneros como el trap, variantes contemporáneas del dancehall, el drill o el bashment. ¿Se cansaron de leer a los críticos musicales de siempre repetir que la innovación se terminó? Kit Mackintosh representa a una nueva generación dispuesta a percibir en la experimentación del presente los sonidos del mañana. Tomando como punto de partida el uso no convencional del Auto-Tune para explorar cualidades vocales hasta ahora desconocidas, Mackintosh establece una nueva vanguardia sónica integrada por artistas como Playboi Carti, Travis Scott, Future, Young Thug, Migos y Vybz Kartel.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEstamos frente a un cambio de paradigma. Antes la innovación surgía del avance de los sintetizadores, los samplers y las cajas de ritmo: todo aquello que excluía los rasgos humanos de un paisaje acústico cada vez más maquínico. Pero el Auto-Tune empujó la voz al frente de la actual revolución sonora y ha hecho de la personalidad de los performers su aspecto primordial. Nuestra humanidad ha sido reincorporada al proceso de composición. Podemos seguir llamando a esta nueva música rap, pero la verdad es que no es un nombre adecuado. La música que se crea hoy implica un quiebre con el pasado, tal como lo fue el hip-hop respecto del funk, el house respecto del disco o el rock del blues. Esta original psicodelia vocal constituye un macrogénero en sí mismo, que ya ha producido una cantidad de subestilos y variaciones cuyo rasgo común es un torbellino de voces posthumanas. Déjense intoxicar por sus fluidos alucinatorios multicolores y sus artificios holográficos. El futuro ya no suena ni frío ni robótico. Escuchen esas entonaciones vulnerables y gelatinosas, deformadas tras una niebla de Xanax y codeína. El porvenir de la música será biotecnológico y alienígena, la banda sonora de nuestra propia mutación.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/div\u003e\n\u003c\/div\u003e","brand":"Caja Negra","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":43374858567728,"sku":null,"price":23.95,"currency_code":"USD","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0602\/3898\/7312\/files\/202504011721_462.png?v=1783196313"},{"product_id":"hyperpop-el-pop-en-tiempos-de-capitalismo-digital","title":"Hyperpop: El pop en tiempos de capitalismo digital.","description":"\u003cp\u003eEl hyperpop, derivado irónico, excesivo y experimental del sonido mainstream de figuras como Rihanna, Britney Spears o Black Eyed Peas, nació en la década de 2010 con la aparición de la icónica SOPHIE y del productor A.G. Cook. Y si bien, en rigor, tuvo una vida corta, su vigencia se expresa no solo en la obra de múltiples artistas de la relevancia de Charli XCX o Arca, sino también en la repercusión que su estética maximalista tuvo en la música dance, la cultura queer, el cine y la moda.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEl desafío principal del hyperpop es exhibir sin pudor y llevar al extremo los artificios que definen la música comercial, con un espíritu crítico y lúdico. No ocultar el autotune, la saturación digital, el brillo sintético ni las estrategias de incitación al consumo, sino colocarlos en primer piano. Al sumergirse en los misterios del capita­lismo digital y sus culturas de internet, la periodista francesa Julie Ackermann arroja luz sobre un género tan icónico coma fugaz, que ha optado por mimetizarse con la época, con su artificialidad fluida, su fetichismo tecnológico, su mercantilización infinita de los cuerpos y del erotismo. Quebrando los límites de la sátira para desa­rrollar una nueva forma de sinceridad, el hyperpop navega entre la utopía queer, el aceleracionismo y la postironía para revelar desde adentro la ultima actualización del capitalismo.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e«Cuando el hyperpop fue capturado por el lenguaje, dejó de existir como lo conocemos. Era una experiencia estética demasiado efervescente para la solidez de las palabras. Pero mucho antes de que se inventara esta categoría, ya soñábamos con la inmaterialidad, queríamos brillar como juguetes de diseño en el valle inquietante. La generación Z no pasó de lo analógico a lo digital, fuimos de lo digital a lo hiperdigital: crecimos escuchando “plástico” coma adjetivo peyorativo, pero confiábamos en su condición de material maleable. Desde las primeras exploraciones del sello PC Music hasta el estallido global de\u003cem\u003e BRAT\u003c\/em\u003e, todo sucedió muy rápido, coma los bpm a los que adecuamos nuestros cuerpos. Este libro es uno de los primeros intentos audaces de narrar ese movimiento que se resiste a la historización cronológica y que hoy sigue mutando.» –Antonia Kon\u003c\/p\u003e","brand":"Caja Negra","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":43375834366000,"sku":null,"price":22.95,"currency_code":"USD","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0602\/3898\/7312\/files\/202504011721_473.png?v=1783265924"}],"url":"https:\/\/casa-riel.com\/collections\/caja-negra.oembed","provider":"Casa Riel","version":"1.0","type":"link"}